X Международный фестиваль камерной музыки "Северные цветы" - 2009
«Северные цветы»
X Международный фестиваль камерной музыки
20 – 27 октября, 2009
С.-Петербург – Великий Новгород – Петрозаводск
«Северные цветы» – 2009
Дорогие друзья, мы подошли к нашему первому серьезному юбилею. С 20 по 27 октября нынешнего года в трех городах России пройдет Десятый фестиваль камерной музыки «Северные цветы». Несмотря на многие трудности, нам удалось сохранить и преумножить самое главное из того, что задумывалось десять лет назад: высокий творческий уровень фестиваля, честные взаимоотношения с партнерами, музыкантами и слушателями, качественную организацию всего фестивального процесса.
На юбилейные «Северные цветы» мы пригласили, прежде всего, тех, кто сыграл важную роль в становлении Фестиваля – блистательную Элиан Родригес, Вильнюсский струнный квартет, Камерный хор LEGE ARTIS, Лидию Коваленко. Из музыкантов и коллективов, впервые участвующих в фестивале, следует отметить восходящую звезду европейского исполнительства Тине Хельсет из Норвегии, превосходных итальянских музыкантов Андреа Кардинале и Алессандро Маньяско, а также Камерный оркестр Новгородской филармонии.
Десять лет – серьезный срок в жизни любого фестиваля. Нам необходимо подумать, что делать дальше. Возможно, Фестиваль изменит свой формат. Но все то, что задумано в нынешнем году очень интересно и привлекательно. Вас вновь ждут потрясающие встречи с Музыкой, а это залог будущих удач и творческих успехов.
Юрий Серов,
художественный руководитель фестиваля
Вторник, 20 октября 2009, 18.30
Великий Новгород
Концертный зал филармонии
Кремль, 8
Четверг, 22 октября 2009, 19.00
Шереметевский дворец
Белый зал
Фонтанка, 34
Камерный оркестр Новгородской филармонии
Тине Тинг Хельсет, труба (Норвегия)
Юрий Серов, дирижер
Отторино Респиги (1879-1936)
Из Сюиты «Старинные арии и танцы» №3 для струнного оркестра (1932)
Италиана
Сицилиана
Отторино Респиги – итальянский композитор огромного масштаба и дарования, известный нам, прежде всего, по своим симфоническим фрескам «Фонтаны Рима» и «Пинии Рима». Человек энциклопедических знаний, глубокий музыкальный ученый, он сочетал в своем творчестве пышные красочные программные симфонические произведения и строгие работы в жанре неоклассицизма, импрессионистические традиции и тяготение к архаичной мелодике, современную технику письма и старинные формы.
В биографии Респиги есть приятная для русского слушателя деталь: приехав в 1901 году в Петербург на гастроли с труппой итальянского оперного театра в качестве скрипача, он пять месяцев брал уроки композиции и оркестровки у Н.А. Римского-Корсакова.
В основе Сюиты «Старинные арии и танцы» произведения для лютни и гитары итальянских мастеров позднего Возрождения и Барокко. Пиццикато струнных имитируют лютневую и гитарную технику, а общее настроение печали и меланхолии удивительным образом переносит слушателя в атмосферу инструментального музицирования XVI – XVII веков. Точными изящными штрихами композитор добивается превосходной стилизации «под старину», оставаясь самим собой в каждой детали и краске.
Томазо Альбинони (1671-1750)
Концерт си-бемоль мажор, соч.7 №3 (1713)
Allegro
Adagio
Allegro
Выдающийся венецианский мастер позднего Барокко Томазо Альбинони родился в богатой буржуазной семье, с юных лет обучался контрапункту, игре на скрипке и долгое время вел образ жизни просвещенного любителя музыки. Профессиональный характер его деятельность приобрела достаточно поздно – лишь в сорок лет Альбинони сменил статус композитора на титульных листах своих произведений с «венецианского дилетанта» на «музыканта-скрипача». Автор более 80 опер и кантат, он остался в истории музыки, прежде всего, как создатель замечательных инструментальных симфоний и концертов, которые отличаются полифоническим мастерством, пластичностью, ярким мелодизмом, и в некоторой степени даже предвосхищают стилистические черты музыкального искусства классического периода.
Двенадцать концертов Томазо Альбинони для одного или двух гобоев и струнных (соч.7) написаны в 1713 году и двумя годами позже были опубликованы в Амстердаме. По сути, это первая публикация произведений итальянских композиторов за рубежом и, бесспорно, первая в мире публикация концертов для гобоя.
Двенадцать концертов разделены на четыре группы, каждая из которых начинается концертом только для струнных инструментов, затем следует концерт для двух гобоев и, наконец, произведение для одного гобоя. Концерт этой серии под номером три сочинен в си-бемоль мажоре, тональности, типичной для трубы. Да и сама музыкальная ткань произведения явно носит следы воздействия многочисленных сонат и концертов для трубы композиторов болонской школы.
Как и во всех других концертах серии, в сочинении три части: подвижное и праздничное Allegro уступает место проникновенному Adagio, по выразительности напоминающему оперную арию (жена композитора была знаменитой оперной дивой, а сом Альбинони не без успеха преподавал технику вокала). Финал полон энергии и танцевального начала в излюбленном композитором трехдольном размере
Иоганн Батист Георг Неруда (1707-1780)
Концерт для трубы, струнных и чембало ми-бемоль мажор (1761)
Allegro
Largo
Vivace
О чешском композиторе Иоганне Батисте Георге Неруде мы знаем не так много. Его имени нет в энциклопедиях, о его творчестве не написаны книги или статьи. Известно только, что он принадлежал к очень уважаемой семье потомственных музыкантов, из которой вышли многие замечательные скрипачи. Иоганн Неруда тоже играл на скрипке. Начав карьеру музыкантом в оркестре Пражского театра, вскоре переехал в Германию, где дослужился до поста концертмейстера придворного оркестра в Дрездене.
Неруда автор 18 симфоний, оперы, большого количества инструментальных концертов, трио-сонат, церковной музыки. Его Концерт для трубы, струнных и чембало ми-бемоль мажор был обнаружен в Национальной библиотеке Праги в середине XX века. Произведение написано для охотничьего рожка, у которого отсутствовали вентили. При игре в высоком регистре на этом инструменте приходилось применять различные хитрые техники. Но именно благодаря высокому регистру оказалось возможным исполнять Концерт на современной трубе. И именно в версии для трубы сочинение стало чрезвычайно популярным во второй половине прошлого века.
Неруда придерживается в Концерте позднегалантного стиля, воспринимающего баховскую традицию (прежде всего полифоническую) как тяжеловесную и устаревшую. Типичная для инструментального концерта трехчастная композиция (Allegro-Largo-Vivace) стилистически уже значительно ближе к Моцарту, она предклассическая и по форме, и по духу, и по многим техническим решениям.
Эдвард Григ (1843-1907)
Две элегические мелодии соч.34 (1883), авторская обработка для струнного оркестра песен на слова О. Винье
Сердечные раны
Последняя весна
Пятнадцать песен Эдварда Грига написаны на слова выдающегося норвежского поэта Осмунна Улафсона Винье (1818-1870). Композитору были близки и гражданская позиция поэта, боровшегося за сохранение национальных традиций, и его литературное творчество, полное любви к родной земле, ее природе и людям.
Две песни на слова Винье Григ обработал для струнного оркестра, создав свои «Элегические мелодии». Уже в самом названии произведения заложена его суть: лиризм, поэтика, красота. Пьесы удивительно созвучны основным мотивам творчества великого норвежца в гармоническом плане, в неприхотливости формообразования, в опоре на народное искусство, а «поющие» струнные инструменты превосходно передают вокальную сущность произведения.
Рольф Вален (р. 1959)
«Элегия» для трубы и органа (1979), авторская версия для трубы и струнного оркестра
Норвежский композитор Рольф Вален родился в Осло в 1959 году, музыкальное образование получил в Норвежской государственной академии музыки и в Калифорнийском университете в США. В творческом багаже композитора большое число произведений для различного состава инструментов и симфонического оркестра, театральная музыка. Он принимал участие в джазовых фестивалях и в проектах, связанных с электронной музыкой. Кроме того, Рольф Вален известен у себя на родине как талантливый критик и музыкальный писатель, он преподает композицию в Норвежской государственной академии музыки.
Написанная в молодости «Элегия» для трубы и органа стала одним из самых часто исполняемых сочинений Рольфа Валена. Эта небольшая лирическая пьеса, в которой чувствуется увлечение композитором джазовой традицией, прочно вошла в репертуар ведущих трубачей мира, неоднократно записывалась на компакт-диски.
Астор Пьяццолла (1921-1992)
«Забвение» (1982), версия для трубы и струнного оркестра
Танго «Забвение» стало невероятно популярным после выхода в свет фильма итальянского режиссера Марко Белоччио «Генрих IV, сумасшедший король» (1983), музыка к которому была написана аргентинцем Астором Пьяццоллой. За эту пьесу автору в 1993 году (посмертно) была присуждена премия «Грэмми».
После смерти композитора в 1992-м весь музыкальный мир буквально «заболел» его музыкой. К медленным, мелодичным, полным меланхолии и тепла танго Пьяццоллы обращались и самые великие джазмены, и известнейшие музыканты классического направления, и любители музыки. Его произведения, написанные – по словам самого композитора – «для ушей, а не для ног», стали неотъемлемой частью концертного репертуара солистов и коллективов всех континентов. Подобная метаморфоза тем неожиданнее, что композитор шел к своему успеху и признанию очень тяжело и долго.
С 17 лет Пьяццолла играл на бандонеоне (аргентинском инструменте, аналоге аккордеона) в многочисленных танго-оркестрах на улицах Буэнос-Айреса. Именно здесь оттачивался его удивительно узнаваемый композиторский стиль, именно здесь рождалась знаменитая революция в истории танго. Любовь к бандонеону Пьяццолла пронес через всю жизнь, до последних дней концертируя и путешествуя по разным странам и городам.
В его жизни было несколько ключевых творческих встреч. В 1933-м, благодаря учителю по фортепиано Бела Вильда, он открыл для себя и полюбил на всю жизнь музыку Баха, в 1941-1943 годах ему посчастливилось заниматься с классиком аргентинской музыки Альбертом Хинастерой, а в 1954-м – учиться в Париже у Нади Буланже.
Автор более тысячи сочинений, Астор Пьяццолла поднял танго на недосягаемую прежде высоту, выведя этот аргентинский танец с городских улиц на концертные площадки крупнейших залов мира. Он создал свой узнаваемый стиль, уникальный звуковой мир, доступный миллионам и удивительно глубокий одновременно, который оказался востребованным не только медийными властителями (а их вклад в посмертную популярность композитора огромен), но, прежде всего, сердцами слушателей.
Пятница, 23 октября 2009, 19.00
Мальтийская капелла Воронцовского дворца
Садовая ул., 26
Понедельник, 26 октября 2009, 19.00
Петрозаводск
Зал музыкального колледжа им. К.Э. Раутио
ул. Свердлова, 25
Вильнюсский струнный квартет (Литовская Республика)
Аудроне Вайнюнайте, скрипка
Артурас Шилале, скрипка
Гирдутис Якайтис, альт
Аугустинас Василяускас, виолончель
Франц Шуберт (1797-1828)
Квартет для двух скрипок, альта и виолончели до минор («Квартетная часть») D.703 (1820)
Allegro assai
«Квартетная часть» была закончена Шубертом в декабре 1820 года. Автор предполагал, что это будет первая часть его Двенадцатого струнного квартета. Однако сочинение оказалось незавершенным, сохранились лишь сорок рукописных тактов второй медленной части. Композитор переживал жесточайший творческий кризис, он откладывал в тот год многие работы недописанными. Вместе с тем, именно до минорная часть послужила прологом к двум следующим, самым вдохновенным шубертовским струнным квартетам – «Розамунда» и «Смерть и девушка». Шуберт стоял на пороге зрелости, начинался период его самых удивительных и совершенных творений.
Премьера «Квартетной части» состоялась много лет спустя после смерти автора, в 1867 году в Вене.
Микалоюс Константинас Чюрленис (1875-1911)
Квартет для двух скрипок, альта и виолончели до минор (1902)
Allegro moderato
Andante
Menuetto. Grazioso
Творчество Чюрлениса необычно, удивительно, уникально. Выдающийся литовский художник и композитор создал за свою короткую жизнь более 250 музыкальных произведений – среди них симфонические поэмы и кантаты, хоровые и фортепианные сочинения, обработки литовских народных песен – и около 300 живописных работ. Своим полотнам он давал музыкальные имена – «соната», «прелюдия», «фуга», а его музыка полна живописных аллюзий и красок. Художник, тяготевший и в музыке, и в живописи к романтизму и символизму, стал не только одной из самых ярких фигур в истории литовской культуры, но сыграл колоссальную по своей важности роль в развитии всего искусства XX века в Литве.
Квартет до минор был сочинен композитором во время учебы в Лейпцигской консерватории и тогда же впервые исполнен. Автор не был удовлетворен своей работой. Сохранились лишь первые три части произведения, финал оказался утерянным. Квартет написан в традиционной форме, музыка его чрезвычайно изящна, полна романтического чувства и ностальгии.
В 1975 году открытому учеными Крымской обсерватории астероиду №2420, было присвоено имя Микалоюса Константинаса Чюрлениса.
Морис Равель (1875 – 1937)
Квартет для двух скрипок, альта и виолончели фа мажор (1902-1903)
Allegro moderato. Tres doux
Assez vif. Tres rythme
Tres lent
Vif et agit
Равель сочинил свой струнный квартет в апреле 1903 года. Ему было 28 лет. Работа была посвящена другу и учителю Габриелю Форе. Но именно Форе после первого исполнения в Париже 5 марта 1904 года подверг произведение серьезной критике, назвав его «мелким, плохо сбалансированным и несостоятельным». Квартет стал последней попыткой Мориса Равеля получить Римскую премию, и она в очередной раз закончилась неудачей. Разочарованный отказом в премии и беспощадной критикой своей последней работы, композитор покинул Парижскую консерваторию. Как ни странно, но именно этот шумный скандал, названный позже «делом Равеля», повлиял на стремительный рост популярности композитора у симпатизирующей ему публики и музыкантов. Примечательны строчки из письма 1905 года Клода Дебюсси автору «Болеро»: «от имени Бога музыки и от моего собственного умоляю Вас не трогать и не переделывать ни единой ноты в Вашем струнном квартете».
В четырехчастном сочинении композитор следует классическим традициям. Первая часть написана в форме сонатного Allegro, вторая играет роль Scherzo, в то время как третья, медленная часть, служит контрастной передышкой перед стремительным финалом. Как и в других произведениях великого французского мастера, яркий темперамент соседствует здесь с чувством меры, со сдержанностью выражения, с известным интеллектуализмом. Композитор воспевает вечные идеалы гармонии и красоты, радости любви и бытия.
В наши дни блистательный Квартет Мориса Равеля для двух скрипок, альта и виолончели фа мажор стал одним из самых популярных и часто исполняемых произведений мирового классического репертуара.
Суббота, 24 октября, 19.00
Малый зал Филармонии им. М.И.Глинки
Невский пр., 30
«Северные цветы» – гала
Юбилейный концерт
Элиан Родригес, фортепиано (Бразилия-Бельгия)
Юрий Серов, фортепиано
Лидия Коваленко, скрипка
Вильнюсский струнный квартет (Литовская республика)
Тине Тинг Хельсет, труба (Норвегия)
Камерный хор LEGE ARTIS
Борис Абальян, художественный руководитель и дирижер
Франц Шуберт (1797-1828)
Фантазия фа минор для фортепиано в четыре руки D.940, Op.posth.103 (1828)
Allegro molto moderato
Largo
Scherzo. Allegro vivace
Finale. Allegro molto moderato
Фантазия фа минор – работа последнего года жизни композитора, года, в который Шуберт сочинил не только несколько самых выдающийся своих произведений, но и самые трагические, самые пронзительные свои вещи. Фантазия посвящена Каролине Эстерхази, ученице композитора, к которой он питал сильное, но неразделенное чувство.
В произведении четыре части, идущие без перерыва. Как и в своей знаменитой фантазии «Скиталец», Шуберт перекидывает здесь своеобразный стилистический мост между классической сонатной формой и одночастной симфонической поэмой, непревзойденным мастером которой стал романтик Ференц Лист.
Фантазия открывается удивительной лирической темой, интонационно и ритмически перекликающейся с венгерским стилем, любимым композитором. Мелодия эта, проходя через многочисленные контрастные эпизоды, через венчающую сочинение грандиозную фугу, часто меняя свою ладовую окраску, возникает вновь и вновь, становясь не только лейттемой произведения, но квинтэссенцией всего творчества гениального венского мастера.
Франц Шуберт (1797-1828) – Ференц Лист (1811-1886)
«Вечер в Вене», вальс-каприс для фортепиано, S.427(1852)
Количество фортепианных транскрипций своих и чужих произведений, сделанных Листом, трудно поддается исчислению. Многие сотни сочинений, десятки тысяч страниц нотной бумаги. Записать все это – уже труд целой жизни. Симфонии Бетховена и песни Шуберта, оперные шлягеры Беллини и Доницетти, фортепианные пьесы Шопена и Глинки, каприсы Паганини и собственные симфонические произведения – все шло в дело. Работоспособность, творческое горение, энтузиазм композитора не знают себе равных в истории музыки. Лист жил в эпоху виртуозных обработок и всевозможных украшений, он стал самым знаменитым ее представителем, гениальным носителем этой уникальной культуры. Благодаря его виртуозным обработкам для фортепиано мир узнал «Соловья» Алябьева и «Руслана и Людмилу» Глинки, слушатели полюбили песни Шуберта, услышали впервые симфонии Бетховена или фантазии и фуги Баха.
К творчеству Шуберта Лист обращался, пожалуй, чаще всего. Существует два типа транскрипций шубертовских произведений – точное воспроизведение авторского текста в гармоническом и мелодическом планах с добавлениями многочисленных фактурных усложнений и виртуозных каденций и свободные парафразы на темы Шуберта, являющиеся, по существу, абсолютно самостоятельными произведениями.
«Вечер в Вене» принадлежит ко второму типу аранжировок. В 1852 году Лист сочинил своеобразную сюиту из девяти вальсов-каприсов на темы многочисленных фортепианных вальсов Франца Шуберта под общим названием «Вечера в Вене». Изящные, полные виртуозного блеска, детально отшлифованные вальсы не слишком часто звучат на концертной эстраде. Тем интереснее встреча с этим удивительным «документом» ушедшей великой эпохи.
Борис Тищенко (р.1939)
Рондо для скрипки и фортепиано (1994)
Выдающийся композитор нашего времени Борис Тищенко – прежде всего автор многих монументальных симфоний, реквиема, инструментальных концертов, струнных квартетов. Произведения замечательного петербуржца обращены к самым сложным и краеугольным проблемам окружающей жизни, к миру искусства, к человеческой душе.
Рондо для скрипки и фортепиано, вероятно, покажется стоящим несколько в стороне от главных тенденций творчества Бориса Тищенко. Небольшая изящная пьеса, как всегда у Тищенко, мастерски проработанная, не таит в себе глубинных размышлений о смысле жизни, не отражает трагических сторон бытия. Скорее – это теплое воспоминание о классическом периоде музыкального искусства, об ушедшей навсегда от нас красоте в ее первозданном, божественном обличье.
Эрвин Шульгоф (1894-1942)
Пять пьес для струнного квартета (1923)
Alla Valse Viennese (allegro)
Alla Serenata (allegretto con moto)
Alla Czeca (molto allegro)
Alla Tango milonga (andante)
Alla Tarantella (prestissimo con fuoco)
Чешский композитор и пианист Эрвин Шульгоф – автор опер и балетов, кантат, симфоний, инструментальных концертов, квартетной музыки и фортепианных пьес. Он родился в Праге, а окончил свою жизнь заключенным концентрационного лагеря в баварском Вюльцбурге в 1942 году. Он мог спастись, но по воле случая не успел выехать из Чехословакии до оккупации ее нацистами, хотя Правительство Советского Союза к тому времени положительно ответило на его просьбу о предоставлении гражданства. Невероятно популярный в 20-х годах прошлого века, постоянный участник всех крупнейших международных фестивалей современной музыки, он прошел сложный путь от дадаизма к марксисткой идеологии, апофеозом которого стала кантата «Манифест» на тексты К. Маркса (1932).
«Пять пьес для струнного квартета» сочинены в Праге в декабре 1923 года и посвящены выдающемуся французскому композитору-современнику Шульгофа Дариусу Мийо. Сочинение впервые прозвучало на фестивале новой музыки в Зальцбурге летом 1924 года. Стилистически «Пять пьес» перекликаются с барочной сюитой, в пяти частях которой экспонируются различные танцевальные формы.
Разрушительная идеология дадаизма наиболее отчетливо проявляется в первой части сюиты, в Вальсе. Нет ничего более нелепого, чем сочинить венский вальс на четыре четверти. По сравнению с этим диссонансные аккорды пиццикато в аккомпанементе уже не кажутся слишком модернистскими. В Серенаде любопытны контрастные сопоставления двух тем: первой, спокойной и мирной и шумной, изобилующей неожиданными акцентами второй. Третья часть – едва ли не самая яркая в произведении – построена на интонациях и ритмах народного чешского танца. Внимание композитора к аргентинскому Танго, получившему известность в Европе лишь несколькими годами ранее создания «Пяти пьес» не удивительно. Композитор в те годы часто обращался не только к джазу, но и к популярной музыке. Тарантелла написана в традиционном для этого лихого танца ритме и служит великолепным финалом блистательно придуманной и великолепно технически воплощенной сюите для струнного квартета.
Эдвард Григ (1843-1907)
Избранные песни в обработке для трубы и фортепиано
Песня пастуха, соч.17, №22
Из вокального цикла на слова Арне Гарборга «Девушка с гор», соч.67
Встреча
Злой день
Любовь
Из музыки к драме Генриха Ибсена «Пер Гюнт», соч.23
Песня Сольвейг
Григ сочинил более 150 песен на слова датских, норвежских и немецких поэтов. Первую из них, «Люблю тебя» на слова Андерсена, он подарил своей будущей жене Нине Хагеруп в день обручения. В дальнейшем Нина стала первой и лучшей исполнительницей всех его вокальных сочинений. Пожалуй, именно в песнях композитор полнее и ярче всего смог выразить свой удивительный лирический дар. Именно пластичная вокальная мелодика стала его главной творческой лабораторией, где и произошел удивительный синтез западноевропейской традиции и норвежской народной интонации.
Песни Грига – одно из сокровищ музыкального искусства. Необычайно искренние, поэтичные, полные любви и красок природы, они не оставляют равнодушными никого, но требуют такой же сердечной отдачи от исполнителей и слушателей.
Уле Булль (1810-1880)
Меланхолия для скрипки с оркестром, переложение для трубы и фортепиано
«Скандинавский Паганини», как часто называли Уле Буля, уже в четыре года мог без труда сыграть на скрипке по слуху песни, которые пела мать, а в девять лет выступал с сольными концертами и занял место концертмейстера в городском оркестре Бергена. Скрипач, композитор, собиратель народных песен и общественный деятель, Уле Булль прожил жизнь концертирующего виртуоза. Он сыграл многие тысячи концертов по всему свету, общался и музицировал с самыми великими современниками, участвовал в авантюрных проектах (чего стоит построенная им на собственные деньги норвежская колония в Пенсильвании), но сердце его всегда принадлежало родной Норвегии, сюда он возвращался всю жизнь, ее он воспел в своих произведениях.
Игра Уле Буля отличалась неукротимым темпераментом, богатством фантазии, виртуозным блеском, поэтической мечтательностью. Он с удовольствием использовал технику и характерные приемы народных скрипачей. Булль стал первым норвежским музыкантом, обратившимся к истокам народного творчества. Его записи фольклора свидетельствуют о тонком ощущении своеобразия народной музыки. В своих скрипичных фантазиях он красочно раскрыл мир троллей и эльфов, использовал мелодии и ритмы национальных танцев – слотта и халлинга. Творчество Уле Булля имело огромное, во многом – определяющее влияние на музыкальное становление Эдварда Грига.
Йоганнес Брамс (1833-1897)
«Вальсы – песни любви» для смешанного хора и фортепиано в четыре руки, соч.52 (1869), слова из «Полидоры» Георга Фридриха Даумера
Всю свою творческую жизнь Йоганнес Брамс с удовольствием сочинял для хора. Это и многочисленные хоры a capella, и такие монументальные оркестровые оратории как «Немецкий реквием».
Ему было 36 лет, когда он создал свои очаровательные «Вальсы – песни любви». Что послужило стимулом к сочинению в столь неожиданной форме? Пожалуй, «Испанские песни» брамсовского «идола» Роберта Шумана, написанные для четырех голосов и фортепиано в четыре руки, и, конечно, предшественник вальса, австрийский лендлер. Именно лендлер, а не венский вальс Штрауса, является жанровой основой всей композиции.
В качестве поэтической основы для своих вальсов композитор выбрал тексты из антологии «Полидора» немецкого религиозного мыслителя и поэта первой половины XIX века Георга Фридриха Даумера. Любопытно, что в этом труде Даумер свободно перевел или сымитировал русские, польские и венгерские народные песни. Первое исполнение произведения состоялось в Вене в январе 1870 года. Партию фортепиано исполнили Клара Вик (Шуман) и Йоганнес Брамс.
Воскресенье, 25 октября 2009, 15.00
Шереметевский дворец
Белый зал
Фонтанка, 34
«Северные цветы» – детям
Элиан Родригес, фортепиано (Бразилия-Бельгия)
Юрий Серов, фортепиано
Андреа Кардинале, скрипка (Италия)
Алессандро Маньяско, фортепиано (Италия)
Вильнюсский струнный квартет (Литовская Республика)
В концерте прозвучат популярные инструментальные миниатюры и ансамбли русских и западноевропейских композиторов. У юных слушателей появится возможность задать вопросы музыкантам, принимающим участие в концерте. Ведущий программы Юрий Серов расскажет об исполнителях и о музыкальных произведениях.
Воскресенье. 25 октября 2009, 19.00
Малый зал филармонии им. М.И. Глинки
Невский пр., 30
Элиан Родригес, фортепиано (Бразилия-Бельгия)
Иоганн Себастьян Бах (1685-1750) -Элиан Родригес (р.1959)
Фантазия и фуга соль минор BWV 542 (1720), транскрипция для фортепиано (1997)
В 1720 году Иоганн Себастьян Бах участвовал в конкурсе на получение места органиста в Гамбурге. Удача, как и во многих других подобных состязаниях, не улыбнулась ему и на этот раз. Но органный мир получил в свое распоряжение одну из главных репертуарных драгоценностей – Фантазию и фугу соль минор, представленную композитором гамбургским музыкальным судьям.
Две части произведения сочинялись в разное время. Фантазия (иногда называемая Прелюдией) была создана Бахом еще во время работы в Веймаре (1707-1717), а Фуга – уже в Кеттенский период (1717-1723), непосредственно перед конкурсом. Фантазия отличается удивительным гармоническим разнообразием: как только утверждается одна из тональностей, следует каденция, которая немедленно переносит нас в другую. Бурная и мятежная, Фантазия находится в контрасте с фугой, строгой и совершенной. Фуга соль минор, без сомнения, является одним из самых значительных достижений композитора в области органного контрапункта.
Элиан Родригес не первый композитор, который обратился к транскрипции этого произведения для фортепиано: известна и популярна обработка, сделанная Ференцем Листом.
Эйтор Вила-Лобос (1887-1959)
«Семья ребенка» из цикла «Мир ребенка» (1918)
Маленькая кукла блондинка
Маленькая кукла брюнетка
Маленькая кукла метиска
Маленькая кукла мулатка
Маленькая кукла негритянка
Маленькая бедная кукла
Колдунья
Петрушка
Классик бразильской музыкальной культуры композитор, дирижер, общественный деятель, фольклорист Эйтор Вила-Лобос отличался удивительным умением непрерывно сочинять музыку. Современники отмечали, что он не прекращал записывать ноты даже во время разговора с близкими или журналистами. Итогом стало невероятное по масштабу творческое наследие композитора, насчитывающее более тысячи произведений. В их числе немало крупных и продолжительных полотен: пять опер, 15 балетов, 12 симфоний, симфонические поэмы, кантаты и оратории, 10 инструментальных концертов, 10 Бразильских бахиан для различных составов, 17 струнных квартетов, пьесы для фортепиано и других инструментов, вокальная музыка, свыше тысячи обработок народных песен, музыка для кино и театральная музыка.
Вила-Лобос открывал новые консерватории и музыкальные школы в своей родной Бразилии, ездил по городам и деревням, собирая народную музыку, реформировал и после Второй мировой войны возглавил всю систему музыкального образования в стране. Ему принадлежит большое количество теоретических трудов музыковедческого характера.
В своем творчестве он искусно и органично соединил достижения европейской музыкальной культуры (в двадцатых годах прошлого века Вила-Лобос несколько лет провел в Париже) с бразильскими народными традициями, с джазовой техникой. Вершиной его титанических трудов стали грандиозные десять Бразильских бахиан, в которых он выразил свою любовь к музыке И.С. Баха. Произведения, ставшие вровень с самыми значительными достижениями XX века.
«Мир ребенка» (Prole de bebe) – это своеобразная сюита из трех циклов: «Семья ребенка» (1918), «Зверьки» (1921) и «Игры» (1926). Исключительное, не имеющее аналогов по своему замыслу сочинение явилось «взрослым» отражением мира детства. Многочисленные и невероятно важные для ребенка детали и события, на которые взрослые не обращают внимания, композитор рассматривает пристально и с видимым удовольствием. «Семья ребенка» – первый из циклов сюиты, в котором представлена вся богатейшая цветовая гамма бразильского общества. Пьесы сочинялись в парижский период жизни композитора, в них явно чувствуются импрессионистические тенденции.
Элиан Родригес (р.1959)
Три музыкальных момента (1994)
Зеркало
Карусель
По другую сторону моста
Цикл Музыкальных моментов для фортепиано, созданных Элиан Родригес в 1994 году – это воспоминания о Бразилии, о детстве, глубокие внутренние переживания, мысли о природе, о детях, о будущем, словом, все то, что окружает и составляет внутренний мир художника. Воспитанная на романтической виртуозной фортепианной литературе, Элиан верна себе и в этих сочинениях. Рояль, с его техническими возможностями и звуковыми красками, рояль, как носитель романтической идеологии – в центре всего повествования.
Всю фортепианную музыку Элиан сочиняет для своего собственного исполнения. Отсюда удивительная импровизационность и органичность, гармоничный синтез композиторского и исполнительского начал, достойный золотого в этом плане XIX века.
Фредерик Шопен (1810-1849)
Ноктюрн си-бемоль минор, соч.9 №1 (1832)
В 1830 году молодой Фредерик Шопен навсегда покинул Польшу. Разлука с Родиной, а позже – тяжелая болезнь легких были причиной страданий всей его жизни. С 1831 года композитор живет в Париже. В этом же году, Роберт Шуман, после одного из дебютных выступлений Шопена в столице Франции, произнес свою знаменитую фразу: «Шляпы прочь, господа, перед вами гений». Ноктюрн (в переводе с итальянского – «ночной», ночная музыка) си-бемоль минор – первый из двадцати ноктюрнов композитора. Здесь, как и во всех остальных пьесах этого жанра, мелодическая линия верхнего регистра покоится на мерном аккомпанементе левой руки. В раннем опусе еще нет бурных трагических коллизий, свойственных подчас поздним ноктюрнам мастера. Но чудесной пластики и красоты мелодия, изящная гармонизация, меланхолический характер придают этой небольшой выразительной пьесе салонного склада удивительное обаяние, притягивают, заставляют слушать вновь и вновь.
Соната №2, си-бемоль минор, соч.35 (1839)
Grave. Doppio movimento
Scherzo. Vivo
Marche funebre. Lento
Finale. Presto
Летом 1838 года любовная связь Фредерика Шопена и Жорж Санд перестала быть секретом для парижского общества. В ноябре они вместе с двумя детьми писательницы уезжают на испанский остров Майорка в Средиземном море, чтобы поправить сильно пошатнувшееся здоровье композитора. В начале декабря он жалуется в одном из писем на свое состояние и сердится на некомпетентность тамошних врачей: «Первый сказал, что я скоро умру, второй сказал, что это мои последние дни, третий – что я уже почти мертв». В начале января 1839 года на Майорку доставили парижский инструмент Шопена «Плэйель». Наконец он мог работать. В течение следующих пяти недель Шопен непрерывно сочиняет. Зима на Майорке принесла одни из самых значительных творческих достижений композитора. Именно в это время на свет появляется Соната для фортепиано си-бемоль минор, совершенное и невероятно популярное произведение польского гения.
Первая часть полна мятежных звучаний, ее романтический пафос в сочетании с виртуозной богатой фортепианной фактурой погружает слушателя в мир патетики и героической борьбы. Роберт Шуман сказал о ней, что «Так может начать только Шопен и только он может так закончить: от диссонансов через диссонансы к диссонансам». Вторая часть – предельно драматичное Скерцо, в середине которого появляется более спокойный эпизод. Третья часть – знаменитый Похоронный марш. Написанный немного раньше остального материала сонаты, в 1837 году, он стал самым известным для широкой публики сочинением Фредерика Шопена. Под этот марш хоронили на кладбище Пер-Лашез в Париже и самого композитора. Финал – длящийся не более минуты стремительный унисон, изобилующий неожиданными резкими модуляциями и диссонансными гармониями. Антон Рубинштейн назвал его «ночным веянием ветра над гробами на кладбище». Соната заканчивается мощным аккордом фортиссимо, ставящим точку в этом гениальном драматическом повествовании.
Скерцо №4, ми мажор, соч.54 (1842)
Пьеса написана в один из самых продуктивных периодов в творчестве Шопена – в конце тридцатых – начале сороковых годов прошлого века. Это последнее из четырех созданных композитором Скерцо, жанра, в котором он соединил классические аналоги с романтической традицией. Скерцо ми мажор отличается от предшествующих более спокойным характером. Это удивительная импровизация: автор, сидящий за роялем, спокоен, его ежедневная болезнь, доставляющая столько мучений, на время отступила, он даже счастлив, его пассажи легки и полны мягкого света, который будто разливается по всей клавиатуре. В середине традиционной для скерцо трехчастной формы появляется минорная тема неземной красоты и лирики. Мелодия, с которой по изяществу и проникновенности мало что может сравниться даже в богатом на изумительные тематические находки творчестве Шопена. Кода произведения приносит долгожданное умиротворение.
Вторник, 27 октября 2009, 18.30
Великий Новгород
Концертный зал филармонии
Кремль, 8
Андреа Кардинале, скрипка (Италия)
Алессандро Маньяско, фортепиано (Италия)
Арканджело Корелли (1653-1713)
Соната для скрипки и фортепиано ре минор, соч.5 №12, «Фолья» (1700)
Tema e variazioni
Сборник произведений соч.5 Арканджело Корелли является ярчайшим образцом старинной предклассической скрипичной сонаты. Композитор словно подвел итог исканиям нескольких поколений итальянских мастеров. То, что у предшественников было лишь смелой догадкой, техническим новшеством, приобрело в творчестве Корелли законченный смысл, глубокое содержание, органичность формы. Но главное – это удивительная напевность его произведений, основанная на народной песенности и предвосхищающая классическое искусство.
Композиторское наследие Корелли не слишком велико и состоит исключительно из произведений для скрипки. Мастер подолгу вынашивал свои художественные замыслы и тщательно отделывал сочинения до полного совершенства. Скрипичный виртуоз и педагог, он стал основателем римской школы исполнительства, положившей начало золотому веку итальянского скрипичного искусства.
Людвиг Ван Бетховен (1770-1827)
Соната для скрипки и фортепиано №5, фа мажор, соч.24, «Весенняя» (1800-1801)
Allegro
Adagio molto espressivo
Scherzo. Allegro molto
Rondo. Allegro ma non troppo
К моменту написания Скрипичной сонаты фа мажор Бетховен уже приобрел достаточную известность в Вене. Его называют наследником великих Гайдна и Моцарта. Это время Первой и Второй симфоний, популярных фортепианных сонат, замечательных струнных квартетов. Но это и время первых признаков надвигающейся глухоты, время начала разлада с обществом, время, предшествующее печально знаменитому «Гелигенштадскому завещанию» композитора.
Соната фа мажор, так называемая «Весенняя», стала одним из любимых, наиболее популярных произведений Бетховена. Красота и изящество, жизнерадостный характер в сочетании с классической ясностью и простотой музыкальных образов – ее основные музыкальные характеристики. В ней и намека нет на мрачные чувства, приведшие композитора к мысли о самоубийстве двумя годами позже.
Трудно сказать что-либо определенное о происхождении наименования сонаты – «Весенняя». Известно, что Бетховен лишь в редких случаях и неохотно допускал попытки конкретизировать словами содержание его музыки. И даже в случае с «Пасторальной» симфонией, где название в полной мере отражает круг образов сочинения, он счел нужным указать (в письме к издателю): «Пасторальная симфония, или Воспоминания о сельской жизни, больше выражение чувств, чем изображение». Между тем, и «Пасторальная» симфония, и «Весенняя» соната написаны в одной тональности фа мажор, пасторальность которой ощущали многие композиторы.
С первых звуков произведения чувствуется его удивительное весеннее настроение: над мерно покачивающимся тихим аккомпанементом фортепиано льется чарующая мелодия скрипки. Побочная тема первой части звучит более взволнованно, в ней есть элемент восторга и ликования. Вторая часть Сонаты – восхитительный пример совершенного бетховенского Adagio. В мелодическом диалоге скрипки и фортепиано слышится умиротворенность, царят покой и красота. Скерцо очень коротко, в нем привлекательна поразительная изобретательность композитора: скрипка повторяет вслед за фортепиано короткий мотив, как эхо в лесу. Финал сонаты – излюбленное Бетховеном Рондо, передающее все оттенки радости, от тихой благостности до воодушевленной восторженности.
Роберт Шуман (1810-1856)
Соната для скрипки и фортепиано №1, ля минор, соч.105 (1851)
Mit leidenschaflichen Ausdruck
Allegretto
Lebhaft. Tema e variazioni
Соната ля минор для скрипки и фортепиано – плод позднего творчества композитора. Несмотря на все чаще дающие о себе знать симптомы тяжелого психического заболевания, он очень продуктивно работал в этот период. В 1851 году композитором завершены Четвертая симфония, фортепианное трио, оратория «Странствия Розы», несколько увертюр для оркестра. Именно в этот период Шуман создает самые значительные свои произведения для скрипки, в 1851 году появляются две скрипичные сонаты, а в 1853-м – Фантазия для скрипки с оркестром и Концерт для скрипки с оркестром.
Соната ля минор сочинена в Дюссельдорфе, где Роберт получил долгожданное место директора (дирижера) городского оркестра. Автор остался неудовлетворен своей Первой скрипичной сонатой: «Я не любил свою первую сонату и поэтому быстро сочинил Вторую, которая, надеюсь, получилась много лучше».
Работа дирижером приносила композитору одни разочарования. Он не смог поладить с оркестром, и репетиции и концерты превращались в сплошную пытку. По ночам ему чудились ангельские голоса, которые напевали и диктовали различные мелодии. Начался чудовищный по своей безысходности процесс ухода великого композитора из жизни. Мучения автора, его трагическое самоощущение, болезненное восприятие окружающего мира хорошо слышны в Сонате ля минор, моменты отдохновения, тепла, надежды кратки и лишь оттеняют общий пессимизм. И все же – это вдохновенный пример творения композитора, который ассоциируется в истории мировой культуры с самим понятием романтизма в искусстве.
В Сонате три части: активная первая (авторская ремарка к ней – «со страстной выразительностью») переходит в медленную вторую часть, в мажорной тональности, с элементами народной танцевальной мелодики, дающую передышку болезненным коллизиям. Турбулентный финал произведения почти целиком состоит из стремительного движения в партиях обоих инструментов, краткое возникновение новой упоительно-гимнической темы воспринимается лишь необходимым контрастом к основному настроению.
Никколо Паганини (1782-1840)
«Трепет», интродукция и вариации на тему арии «Сердечный трепет» из оперы Россини «Танкред», соч.13 (1819)
Героическая мелодрама Россини «Танкред» впервые была исполнена в знаменитом Венецианском театре «La Fenice» в 1813 году. Первое исполнение популярной пьесы Паганини на тему арии из «Танкреда» состоялось лишь в 1828-м. Вариации являются превосходным примером совмещения в творчестве Паганини достигнутых им ранее скрипичных виртуозных высот и проникновенного лиризма.
Аккомпанемент фортепиано несет в «Трепете» лишь гармонические функции, сродни танцору, поддерживающему виртуозную партнершу в классическом балетном дуэте. Любимый инструмент великого генуэзца, скрипка, парит над сценой, с каждой вариацией усложняя свою и без того непростую задачу.
Йоганнес Брамс (1833-1897)
Скерцо до минор для скрипки и фортепиано (1853)
30 сентября 1853 года двадцатилетний Брамс постучался в двери дома Роберта Шумана с рекомендательным письмом от известного скрипача-виртуоза Йозефа Иоахима (Иоахиму самому на ту пору исполнилось только 22 года). Роберт и Клара были потрясены талантом молодого Брамса. Он быстро стал близким другом семьи Шуманов и остался таковым на протяжении всего многолетнего вдовства Клары.
Коллективная Соната для скрипки и фортепиано была создана Йоганнесом Брамсом, Робертом Шуманом и его учеником Альбертом Дитрихом в том же 1853 году в качестве подарка Иоахиму. Персональный девиз скрипача «Свободен и счастлив» (“Frei aber froh”) стал анаграммой, объединяющей разрозненные части произведения.
Брамсу досталось Скерцо, которое стало его первым сочинением для скрипки. Произведение написано в до миноре, тональности, символизирующей для композитора романтическую трагедийность. Но в скрипичном Скерцо, благодаря его стремительной мужественности и ритмической упругости, трагические элементы не являются основополагающими, сочинение полно жизни и молодой энергии.